Fondée en 1947, la galerie Chave est la plus ancienne galerie d'art de la région niçoise.
Les expositions qui y sont organisées témoignent d'une recherche exigeante de créateurs connus ou moins connus, suivant chacun un itinéraire cohérent et original en dehors de tous regroupements, tendances répertoriées et modes artistiques. C'est un haut lieu de l'art insolite et de l'édition de livres illustrés.
À côté d’oeuvres d’artistes de renommée internationale ayant vécu sur la Côte d’Azur comme Jean Dubuffet (qui eut des expositions régulières à la galerie entre 1955 et 1962 puis en 1985 : Salut à Jean Dubuffet puis en 1995 La période de Vence de Jean Dubuffet), Max Ernst (qui exposa régulièrement à partir de 1966 et réalisa un grand nombre d’éditions lithographiques à Vence), Georges Ribemont-Dessaignes qui vivait à Saint-Jeannet, on peut voir régulièrement sur les cimaises des trois étages de la galerie des oeuvres d’’artistes, qui « questionnent » voire qui « déran-gent ».
L’exposition de l’été, dont le titre est L’harmonie des antonymes regroupera des artistes de la galerie, très différents les uns les autres par leur esprit et leur technique, vivant ou ayant vécu sur la Côte d’Azur :
G. Bru, G. Chaissac, C. Degaine, S. Délianis, J. Dubuffet, G. Eppelé, R. Erebo, Max Ernst, P.-A. Gette, M. Graniou, Kim En Joong, G. Lauro, R. Malaval, D. Négro, J.-F. Ozenda, J. Prévert, G. Ribemont-Dessaignes, M. Roux.
Ils illustreront la phrase d’Héraclite « Ce qui est taillé en sens contraire s’assemble, de ce qui diffère naît la plus belle harmonie, tout devient par discorde »

Succédant à ses parents, Louis Carmeil fut artisan boucher une grande partie de sa vie dans la petite ville de Fumel (Lot et Garonne).
Cet amoureux de la viande de boucherie, tendre et subtilement colorée, s’est évadé au fur et à mesure des années, vers un mode d’expression plus poétique : la peinture et la réalisation d’objets.
Se bornant à peindre, au départ, des natures mortes d’une façon qu’il pensait classique, mais qui était déjà très personnelle, il détourna petit à petit la représentation des formes vers des visions fantasmatiques plus sensuelles et plus élaborées.
Tout naturellement, comme le tranchant du couteau à travers le muscle tiède, son pinceau enveloppait le contour des formes, les frôlant, les auréolant, les transgressant… Il se mit à fabuler sur ces chairs qui ne sont plus tout à fait animales. En flairant la couleur juste, il jetait un regard sensuel sur ces contours ambigus qui émergeaient de la matière.
L’ambivalence est parfaite entre la « viande » et la « chair ». Un érotisme latent et mystérieux s’en dégage.
En dehors des modes et des tendances actuelles de l’art, cette oeuvre est à la fois rassurante par sa tendresse et étrange par sa symbolique.
Témoin de la vie de la terre cathare, rude et mystérieuse, Louis Carmeil l’a transposée dans son monde imaginaire énigmatique.

M. Chave

«Sur une immense toile, elle passait les jours. La nuit, elle venait aux torches la défaire. » (1)
Ces mots d’Homère à propos de Pénélope attendant le retour d’Ulysse conviennent à Isabelle Jarousse qui, inlassablement depuis vingt ans, travestit le papier en une étoffe sertie de dessins à l’encre de chine. Ronds, hachures et figures animent les creux et les plis qu’elle modèle dans l’intimité de l’atelier.
Dans L’Attente au crépuscule, l’artiste, en proie aux révélations de l’inconscient, constitue le terreau de nos propres hallucinations. La nuit hante l’œuvre, peu-plée d’étranges rêves. Le regard s’enfonce dans le noir profond du voile de papier.
Le sommeil et la mort vont de paire. La récente série Fleurs et couronnes résonne d’accents shakespeariens : les grands formats en longueur évoquent l’eau sta-gnante dans laquelle s’évanouit la belle Ophélie dont le corps-papier, fantasmé et modelé par l’artiste, est couvert de fleurs fraîches.
Être Ophélie, c’est dire et redire la détresse et la joie, c’est dessiner le clair et l’obscur d’une page, exprimer dans la chair l’instabilité d’un monde qui a le vague à l’âme.
Bien qu’empreint d’un impalpable sentiment romantique, l’œuvre est loin d’insuffler le morbide. Reprise par Philippe Delerm, la figure héroïque d’Hamlet devient lumière ; une «tache blanche, l’essentiel, le centre du motif » (2) Dès lors, le sujet de l’œuvre n’est plus l’attente mais bien celui du destin pris en main. Le regar-deur bascule dans l’espace et le temps de la vie : il arpente les méandres du papier, plein d’un monde foisonnant.
La recherche d’un ailleurs accompagne le sentiment d’abandon auquel l'artiste aspire : un abandon charnel qu’allégorisent les personnages féminins en proie à la virile frénésie des caresses prodiguées jusqu’à l’orgasme ; un abandon dans le deuil enfin, tant est que les deux soient liés, comme perte.
Isabelle Jarousse décrit un univers modulable au gré de nos pensées. Ses sujets incarnent la chair et l’âme de nos désirs dans les rêves et les mythes, à l’instantanéité du regard. L’œuvre dévoile une géographie de l’inconscient dont les plis invitent à sonder l’intériorité du dessin. Telle serait la portée enivrante de l’encre qui nous submerge et de l’ivresse du blanc qui, en creux, nous révèle à nous-mêmes un univers incommensurablement grand.

Damien Chantrenne

(1) Homère, L’Odyssée, XXIV.
(2) Philippe Delerm, Autumn.

À la fin de l’été 2004, Pascal Verbena et sa compagne Nelly firent un voyage solitaire à pied, d’Arles à Saint-Jacques-de-Compostelle, que l’artiste relata dans son livre « La bise de l’âne », que nous éditions en 2006.
En fait, « La bise de l’âne », beaucoup plus qu’un récit de voyage, est un retour sur soi, une auto-analyse enrichie par une réflexion personnelle sur le processus de création d’un autodidacte qui, en permanence au corps à corps avec la nature et ses éléments, se laisse avant tout conduire par son propre instinct de découverte.
Cette lente méditation, l’a conduit à de nouvelles créations que nous présentons dans cette exposition « Retour de Saint-Jacques-de-Compostelle », dans la même ligne que les précédentes mais enrichies par la diversité des matériaux utilisés et des techniques employées. Comme les bois flottés, trouvés dans le delta du Rhône qu’il utilise depuis longtemps, les ardoises du chantier de sa maison des Alpes qu’il façonne avec opiniâtreté et minutie, donnent toute leur magie et leur mystère aux habitacles, triptyques, stèles et dessins récents.
Le voyage iniatique, riche et éprouvant d’Arles à Saint-Jacques-de-Compostelle, Pascal Verbena le revit tous les jours dans le silence de son atelier du Vieux-Port de Marseille, lorsqu’il dessine et sculpte avec une multitude de détails qui ont chacun leur sens, des œuvres puissantes et étranges, prenantes et affranchies du temps et de la mode.

Madeleine Chave